中国音乐剧：演出热潮后如何获得持久活力

原标题：中国音乐剧：娱乐崛起后如何实现持久活力。 《中国音乐市场年度报告2024》显示，过去一年我国音乐市场持续增长。 1-10月，全国共举办音乐剧演出1.36万场，观众超过582万人次，票房收入近14亿元，比上年大幅增长26.7%。与原创剧院兴起的同时，一线城市的住宅项目也在推进，当地政府剧院公司、艺术学校和私营公司进入市场。青少年成为演出的主要观众，参与度和争论明显增多，共鸣不断增强。音乐剧的“火热”绝对是一个积极的趋势。然而，这种繁荣不应仅仅局限于演出数量的增加、票房收入的增加或短期的盈利。观众受欢迎程度；它还必须体现在持久的艺术活力和文化表达上。这些都是支撑原创音乐剧持续发展的深远力量。
从世界名作《画红》到原创独立作品
中国音乐剧是集歌唱、舞蹈、戏剧于一体的综合性表演艺术，有引进外国剧、本土改编剧和原创作品三种形式。它们不断演化、相互融合，促进了中国音乐剧在艺术和营销上的成熟，为当前音乐剧的繁荣奠定了坚实的基础。
20世纪80年代以来，中外文化交流更加频繁，外国剧团在中国演出了许多音乐剧。这种艺术形式在中国逐渐受到关注。 2002年，上海大剧院上演原创音乐剧《悲惨世界》。这个独特的外国导游之旅rmat首次成功吸引了大量中国观众。此后，《吉屋出租》、《音乐之声》、《猫》、《狮子王》等经典剧相继来到中国。进口剧目大多采用原版语言和演员阵容演出，舞台设计也尽可能还原，展现原剧的舞台风格。尽管存在语言障碍和文化差异，这些作品仍以其壮观的场景、成熟的故事和强大的视听效果迅速征服了观众。它们是国产音乐剧的基础。它打开了市场，让“音乐剧”这一艺术形式在中国广泛可见，并成为本土化改编和原创作品的重要参考。但引进初期，中方主要负责影院协办、票务、与管理层合作等支持运营，在演艺圈中处于相对被动的地位。贸易链。
与引进外剧不同，本土改编是对外剧的语言和文化内容进行调整，使其更适合中国观众的文化背景和需求。音乐剧本地化的第一个挑战是翻译剧本和配音歌词。必须保持原作的本质，同时考虑语言准确性、文化适宜性、音乐适宜性等因素。该格式采用汉语解释和“文化适应”翻译策略，在人物塑造、调整情节、字母搭配等方面做出了诸多创新。中文版《猫》的歌词放弃了特定文化背景词语的直译，转而采用图像表达方式，有助于中国观众的理解和共情。此时的翻译不再只是语言层面的“对等”问题，更是一种文化层面的“对等”问题。重建和娱乐。正如《细读》中所说，“本着一本小册子的精神”翻译过来就是“心中装满万卷书，我的正义却稀缺”。简洁有力，又不偏离其本意。改编作品还在文化符号和视觉表现方面引入了许多适合该地区的创新。例如，《猫》的布景设计就包含了“月光盒子”等中国元素。 《狮子王》引入了十二生肖文化和传统面具艺术，将非洲大草原的辽阔与中国文化符号相结合，增强了制作的乡土气息。
外国经典作品的本土演出在培养演员、建设团队、培育市场等方面促进了中国音乐剧的发展。然而，这两种形式的中国音乐剧仍然被认为只是“复制品”，原创性的探索有限。例如，要反映“舞台上的“真实性”，往往对演员的脚步、舞蹈、动作，甚至微笑时牙齿的露出都有严格的规定。音乐剧艺术形式确实需要中国原创作品来驾驭和讲述我们自己的故事。同时，中国原创音乐剧也在进行着自己独特的探索。
走向自我生成的表达系统
前线歌舞团1983年创作的《草心》，被认为是中国原创音乐剧的首次尝试。其主题曲《小草》体现了当时都市青年的精神气质，并被传唱至今。然而，在原创音乐剧的早期阶段，“音乐与故事”是被诟病的重要问题。
在《草心》中，音乐和舞蹈主要起到表达情感、营造气氛的作用。中心故事通过对话推进，整体结构呈现结构性特征以对话为主，歌舞为辅的抽动。例如，在主角告别爱人离开家乡的场景中，通过台上对话来表达角色的感受。情感达到临界点后，演员们唱起主题曲《小草》，随着抒情的旋律翩翩起舞，延续未竟的爱情线路。也就是说，歌舞本身并不驱动故事的发展，而是对人物情感的补充和拓展，在故事中发挥的作用相对有限。
《草心》之后，主创们进一步探索了从“唱演舞”并置、叠加到相互吸引的转变。例如，1985年至1989年间演出数千场的《走错路》中，主旋律“酒干了我就不卖了”不仅起到了情感表达的作用，而且起到了叙事线索的作用。工作之内。旋律以不同的节奏、配器、调式一次次出现，见证了人物情感的起伏和命运的转折，从“抒情插曲”转变为“音乐故事”的支撑轴。此后的《蝴蝶》、《金沙》、《钢琴》等作品在结构上进一步增强了音乐的戏剧性能力。在《蝴蝶》中，人物的心理变化逐渐通过音乐、通过主题和对唱段落的重复来表达。 《钢之钢琴》以“工业声音”为节奏，以它为音乐母题，将机械噪音与旋律融合，完成音乐性与戏剧冲突的融合，实现“用声音造戏”、“用音乐讲故事”的整体表达。于是，音乐不再是情节的装饰或伴奏，而是驱动情节的中心语言，塑造人物，创造形象。随着这种“音乐叙事”逻辑的建立，中国原创音乐剧正在逐渐过渡到自生的表达体系。
上述作品的陆续公布，表明原创音乐剧开始从“戏剧+歌曲”的拼贴走向“以音乐编戏、以动作描绘冲突”的普遍审美，其结构和风格也逐渐成熟。在此基础上，目前呈现的原创音乐剧在本土音乐和跨国融合方面的探索更加多元化。例如音乐剧《觉醒时代》采用“跟唱”结构，音乐风格与人物性格紧密结合。辜鸿铭的戏剧咏叹调与人物情节相得益彰：“祖宗之法，怎能忘记？”同时，鲁迅咏叹调中的说唱元素强调了他的斗志，以笔作为一件武器。同时，舞蹈和表演充分融入舞台编排，情节与音乐相联系，人物的情感通过旋律和肢体流动，直达大众的灵魂。今年开始巡演的原创粤语音乐剧《国王》融合了粤剧、民歌、摇滚等多种音乐元素。演员的造型和出场套路将戏曲和中国舞蹈的肢体动作结合起来，给观众营造出一种亲切感，让他们立即了解剧情和人物的内心感受。
然而原创音乐剧仍然面临着戏红歌不红的局面。虽然作品数量众多，但真正能传唱的代表性歌曲却很少，这使得它们在剧场之外的普及举步维艰。这也直接说明了中国音乐剧“原创”的根深蒂固的瓶颈。
建立系统化的h人类资源开发系统。
愈演愈烈的“热潮音乐剧”背后，即使是冷静的观察者也始终抱有疑问：中国原创音乐剧的核心竞争力是什么？笔者认为，中国原创音乐剧的主要使命是将民族文化与当代艺术形式相结合，创作出具有国际视野、能够打动本土观众的作品。只有通过独特的内容、独特的表达和独特的机制的并置，音乐剧的“温暖”才能成为真正的“力量”。
刷新你的创作理念，重建你的内容核心，拓展你的表达范围。作为一种跨文化的艺术形式，音乐剧的优势在于通过音乐、舞蹈和表演来讲述故事，传达深刻的思想和情感。创作团队不仅要注重主题的当代性和思想性，还要从结构、叙事和音乐创作上建立音乐剧的内在逻辑。n，让故事能够通过歌舞的叙事真正清晰地传达出来，音乐旋律能够深入人心。
建立系统的人力资源开发机制。目前，很多音乐剧的火爆都依赖于知名演员的参与。有的剧目通过在演出前宣传“某演员版”来获得人气。虽然这种“演员优先”的策略可能会在短期内受到欢迎，但也暴露出音乐剧演员整体技能储备不足的问题。解决这一问题的基本策略是大学、剧团和企业共​​同努力，探索更具创新性、市场意识和文化责任感的粘合培训体系。这不仅仅是对中国音乐剧的教育建议，更是整个行业成熟的重要标志。
近年来，一些剧团和私营公司扩大了演出范围。通过“联合孵化项目”和“公司演员发展项目”，在人力资源开发和市场应用之间建立联系。高校中，中央戏剧学院、中宣大学、北京电影学院等音乐剧系也在探索从“课堂培训”走向“市场考试”的途径。以中宣大学原创音乐剧《阳炎》为例。影片从“演员”的角度描绘了学者孙宇的一生，直到他进入行业寻找角色并决定这样做。通过音乐、舞蹈、戏剧的融合，展现了人们在困难时期的精神坚守。他的《Kagerou》创作过程的重点是基于项目的教育。从剧本构思、排练到舞台呈现，师生共同创作、共同参与，形成了“组织-再创作”的教学闭环。“听-读-评”，实现了课堂与剧场、教学与创作的完美衔接。学生在真实的剧场环境中完成作品表演，并得到市场和观众的反馈。该作品的成功为原创大学音乐剧从教育到市场、从课堂到社会的转变提供了可持续的模式。
（作者：中宣大学文学艺术学院院长、教授 杨阳）
（编辑：王连祥、陈健）
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